Новости Театральной Жизни

МОСКОВСКИЙ ТЕАТР КУКОЛ

«Синдбад-мореход»
Н. ПАХОМОВА ПО МОТИВАМ КНИГИ «ТЫСЯЧА И ОДНА НОЧЬ»

В этом сезоне Большой зал МТК стал пространством восточных сказок «Тысячи и одной ночи». Вслед за поэтическим «Аладдином» Амира Ерманова здесь появился «Синдбад-мореход» Натальи Пахомовой, решенный в жанре кукольного экшена.
Жанровое определение спектакля отражает суть: в «Синдбаде-мореходе» много фантастических существ, мало слов и почти нет открытого актерского присутствия — в большинстве случаев герои, кроме заглавного, появляются в масках.
При этом мир постановки отнюдь не красочный — создатели осознанно выбирают визуальное решение «из света и тканей»: для ищущего чудес Синдбада (Максим Данченков) и его спутников моря и острова в итоге та же пустыня. Но в ней встречаются изобретательно сделанные звери, птицы, рыбы и люди — необычные кук­лы, придуманные художником Никитой Нестеровым. «Племя мохнатых» — небольшие фигурки на костюмах артистов; пестрые рыбы — куклы-шапки; змеи, птицы, великаны — сложно управляемые многометровые объекты на сцене и за ее пределами.
Мужская компания из девяти артистов рассказывает лаконичную историю языком главных форм масскульта всех времен. Тут есть и сказочные эпические повторы, и уникальные для МТК сцены боя с летящими от ударов клинка искрами, и принципиально современная по звучанию музыка Никиты Ермакова с акцентом на гитару и ударные, и даже ироническое игровое существование в стиле комиксов и мультфильмов. По большому счету это и есть зрелищно-динамичный интерактивный комикс — с той разницей, что Синдбад, беззаботно погубивший в захватывающих приключениях всех своих смешных друзей, придет к серьезному по сути финалу. Как и положено герою сказки или боевика, он лишен особенной рефлексии, хотя и движет им желание избавиться от внутренней пустоты. Но удастся это только тогда, когда он встретит любовь — Зейнаб Прекрасную (Ангелина Данченкова) — единственную женщину в этом брутальном спектакле, ту, что ждала его из всех путешествий. Финалом становится вполне фольклорный, но и жизненный итог: настоящее чудо — подлинное чувство, а всякий долгий путь обретает смысл в момент возвращения. Если, конечно, обретает.

РЕЖИССЕР И АВТОР ИНСЦЕНИРОВКИ:
Н. ПАХОМОВА.
ХУДОЖНИК: Н. НЕСТЕРОВ.

МОСКОВСКИЙ ОБЛАСТНОЙ ТЕАТР КУКОЛ

«Царевна-лягушка»
П. ВАСИЛЬЕВ И Л. ФЕДОРОВА ПО РУССКОЙ НАРОДНОЙ СКАЗКЕ

Самую известную русскую народную сказку нужно ставить в истинно русском духе. С этим вся постановочная команда театра справилась блестяще. На фоне красных ставень, сундуков и цветастых с узорами платков разворачивается стихотворно-песенное действо, полное юмора. Было у царя три сына, царство большое — наследники нужны, пришла пора жениться (да и сам любимый батюшка велел). Пустили сыновья стрелы из луков — куда стрела упадет, там и невеста.
Старшего царевича стрела на генеральский двор улетела: дочка у генерала худа, но с дисциплиной у нее порядок — вышколена. Среднего царевича — на купеческий двор: там невеста пышная да статная, словно медовая бочка. А младшему не повезло: угодила стрела на болото — к лягушке. Жить бы ему с позором и терпеть горькую судьбу, да пучеглазая супружница оказалась царевной и на все руки умелицей. А еще сбросит лягушачью кожу и пляшет — заглядишься. Жить бы да радоваться, но взял Иван да эту кожу и спалил. И идти ему теперь вызволять Василису из заточения у Кощея Бессмертного. Но Иван, конечно, вернет ее благодаря волшебным помощникам: щуке, медведю и Бабе-яге. Уж она, сметливая, чует, кому помочь надо — дорогу к злодею указать.
Этот спектакль полон самых разных звуков. Зрители слышат и шум волн, и стоны-уханье медведя в яме-ловушке, и тревожные звуки леса. Сизый туман стелется над лесной чащей, где только нечисть обитать может да нанизывать на рогатины головы неудачливых молодцев. Деревянная кукла Ивана вступает в диалог с персонажем-трансформером — избушкой на курьих ножках, из которой выглядывает смешливо-лукавое лицо Бабы-яги на длинной шее. Страшнее всех, разумеется, похититель Василисы — Кощей Бессмертный. У него и руки длиннющие, и череп преогромный, и вместо глаз красные огоньки горят. Но все-таки это спектакль для самых маленьких, и его создатели сделали все, чтобы малыши поняли: это просто сказка. А когда Кощея уничтожат, Василиса с Иваном счастливо возвращаются под родные ставни красные.

РЕЖИССЕР: Л. ФЕДОРОВА.
ХУДОЖНИК: А. ЗАПОРОЖСКИЙ.

ТЕАТР РОМАНА ВИКТЮКА

Г. ЗАПОЛЬСКАЯ
«Масенькие супружеские игры»

Режиссер Андрей Боровиков восстановил спектакль Романа Виктюка «Масенькие супружеские игры» по пьесе Габриэли Запольской «Козырь», бережно сохранив и режиссерский рисунок, и стилистические особенности Мастера: неизменную внешнюю артистичность монологов, легкую иронию диалогов и обнаженные торсы массовки. Сюжет спектакля частенько встречается в жизни.
Две супружеские пары проводят вместе лето в деревне. Для супругов Лулу (Людмила Погорелова) и Анатоля (Олег Исаев), проживших вместе много лет и хорошо усвоивших привычки и потребности друг друга, — это приятный отдых. Для их кузенов-молодоженов — беспечной Мушки (Анастасия Якушева), не понимающей прелестей сельских забот, и ее погрязшего в хозяйстве мужа Витольда (Игорь Неведров) — период сложных испытаний отношений на прочность. В условно-футуристическом оформлении сцены Владимира Боера нет и намека на сентиментальную идиллию. Небрежно брошенный матрас здесь можно воспринимать и как деревенский водоем, и как ложе для влюбленных, а надувные дельфины и крокодилы – знак того, что все происходящее всего лишь игра. Игру поддерживает и музыкальная круговерть спектакля с рефреном — веселой полечкой.
А началось все с провокационного замечания Лулу, что брак подобен карточной игре, в которой вы-
играет тот, у кого больше козырей. Взрослая пара блефует, молодежь идет ва-банк. Простодушная Мушка соблазняет Анатоля и сама влюбляется в него, но режиссер с беспечным изяществом подводит Мушку
к крушению иллюзий и развязке.
И вместо очарования пленительной женственности наружу прорываются капризы и безосновательные требования чувственных наслаждений от уже немолодого чужого мужа.
Соблазненный изысканно женственной красавицей Лулу, простак Витольд вдруг увидит в ней свой идеал, приняв женскую месть за материализацию собственных иллюзий. Для нее любовь — ритуал, видимо, многократно повторенный. У него — порыв души. Но нужны ли ей страсти? Ведь ни Лулу, ни Анатоль ничего в своей жизни менять не собираются. Они просто соберут вещи и как-то быстро сократят свой отпуск в деревне. Ставки в этой игре оказались для них слишком высоки.

ПОСТАНОВКА, РЕЖИССУРА И МУЗЫКАЛЬНОЕ ОФОРМЛЕНИЕ: Р. ВИКТЮК.
РЕЖИССЕР ВОССТАНОВЛЕНИЯ: А. БОРОВИКОВ.
ХУДОЖНИК-СЦЕНОГРАФ: В. БОЕР.

ТЕАТР ИМ. ВЛ. МАЯКОВСКОГО
«Любовь по Маркесу»

Егор Перегудов, недавно назначенный художественным руководителем Теат­ра имени Маяковского, выпустил второй спектакль. Сценическая фантазия по мотивам произведений Габриэля Гарсиа Маркеса затрагивает темы вечные и сиюминутные, заставляет размышлять об одиночестве, любви и непроходящей молодости. Журналист Габито отмечает свое 90-летие. Играющий его Игорь Костолевский поначалу выглядит как старик — прячется за морщинистой маской и седым париком, говорит приглушенно и слабо, ходит вяло.

Но в конце концов отказывается от возрастных примет, представая элегантным мужчиной во цвете лет. Габито говорит, что сам не чувствует старости, ее видят только со стороны. Солидная дата для него — повод задуматься не о немощи, а о том, что он еще на многое способен. Для воскресного номера газеты юбиляр пишет статью во славу старости, но получается текст о любви. «Люди заблуждаются, переставая влюбляться, когда стареют, не понимая, что стареют тогда, когда перестают влюбляться» — главная мысль сочинения маститого журналиста. Но сам он оберегал себя от постоянных чувств, предпочитая покупать любовь (программка указывает на 514 женщин в его жизни). А на склоне лет в сердце старца Габито, прозванного Печальным мудрецом, пробуждаются нежность и восхищение. Сильные переживания у постояльца борделя вызывает юная Дельгадина (Дарья Хорошилова) — угловатая девочка-подросток, и похоть уступает место целомудрию.
Пространство сцены огорожено стенами, похожими на огромные потемневшие от времени жалюзи. Их щели пропускают свет и воздух. Высятся колонны из книг, падающие от порыва ветра (художник Владимир Арефьев). Латиноамериканские мотивы оркестра «Картахена-де-индиас» провоцируют волнующие воспоминания. Танцуют стройные красавицы. Молодеет на глазах хитрая и невозмутимая хозяйка борделя Роса Кабаркас (Ольга Прокофьева играет ее смешно и ярко). Давняя любовница Габито Касильда Армента (Людмила Иванилова) кажется ангелом с невидимыми крыльями. И рискованные ситуации, сочиненные Маркесом, поднимаются до поэтических высот. Спектакль сыграют 10 сентября, в день рождения Игоря Костолевского.

СЦЕНИЧЕСКАЯ КОМПОЗИЦИЯ И РЕЖИССУРА: Е. ПЕРЕГУДОВ.
СЦЕНОГРАФИЯ И КОСТЮМЫ: В. АРЕФЬЕВ.

ТЕАТР ИМ. ЕВГ. ВАХТАНГОВА
Л. ЗОРИН
«Варшавская мелодия»

На Симоновской сцене Вахтанговского театра играют дипломный спектакль студентов Щукинского института, поставленный Владимиром Ивановым. «Варшавская мелодия» («Перекресток») по двум пьесам Леонида Зорина — история невозможной любви в исполнении дуэта артистов, Полины Рафеевой и Ивана Захавы.

«Перекресток» — авторский сиквел той же истории, встреча героев спустя 30 лет. В спектакле Иванова он становится рамкой, началом и финалом; вся «Варшавская мелодия» — долгий флешбэк. Молодые артисты играют три возраста персонажей: пожилых, зрелых и совсем юных. И делают это не только на удивление точно, минуя соблазны типажности — возрастные, национальные и «ретро».
Ретро как такового здесь и нет, хотя действие прочно привязано ко времени: конец 40-х, конец 50-х, середина 90-х. Легкие намеки в аскетичном визуальном решении и стильных костюмах, но в смыслах и способе существования — все сегодняшнее. И заносящий сцену снег (видеопроекция) словно долетает в зрительный зал, бликами расходясь по кирпичным стенам. Но тем острее понимание невозможности чуда: противоположности притягиваются, и можно поверить в послевоенную любовь хрупкой гордой Гелены из Польши и спокойно-уверенного солдата победившей армии. Однако его непонимание ее страхов, трезвости и выстраданного жизнелюбия — свидетельство того, что «политика», увы, не только внешняя сила, безразличная к человеку, но и то, что живет в твоем собственном сознании. В финале, когда Гелена станет прямой, как струна, сохранив иронию, а Виктор — вальяжным и ворчливым, он произнесет страшный публицистический монолог о том, как в XXI веке «Россия еще пойдет спасать Европу». Гелена не ответит, это уже ни к чему. Эпикриз ясен. Неслучайно последние слова Гелена обрывает, произнеся с грустно-вопросительной улыбкой: «И все-таки он меня…» Любит? Любил? Или не узнал?..
И холодок, который пробегает от иных диалогов влюбленных, очевидно, приходит от актерского ощущения сегодняшнего дня. При всей органичности артисты сохраняют дистанцию между собой и героями во всех эпизодах. И наблюдать за этим удивительным приближением-осмыслением, проживанием-
игрой почти три часа по-хорошему неспешного, «несовременного» по ритму действия интересно весь спектакль.

СЦЕНИЧЕСКАЯ ВЕРСИЯ И ПОСТАНОВКА: В. ИВАНОВ.
СЦЕНОГРАФИЯ И КОСТЮМЫ: М. ОБРЕЗКОВ.

МХТ ИМ. А.П. ЧЕХОВА
ПО А.И. КУПРИНУ

«Третий звонок, господа!»

В основе спектакля — рассказ Александра Куприна «На покое», повествующий о бывших актерах, доживающих свои дни в убогой богадельне. Но режиссер Кирилл Вытоптов избежал описанной Куприным депрессивной, гнетущей атмосферы мелочного, однообразного существования, заявив жанр постановки как «больничное кабаре». Палата с одинаковыми койками превращена в подмостки, подсвечиваемые огнями рампы (художник постановки Нана Абдрашитова).
Поодаль играет группа музыкантов, а молоденькая медсестра (Маргарита Якимова) оказывается эстрадной примадонной с немыслимыми перьями на голове.
Постояльцы приюта не унывают, каждый упрямо гнет свою линию. Бывший режиссер по прозвищу Дедушка (Виктор Кулюхин) не забывает о своей основной профессии, намереваясь поставить «Отелло». У комика на покое Михаленко (Александр Семчев) эта глобальная затея вызывает лишь циничную усмешку. Бывший скромный суфлер Стаканыч (Владимир Краснов) трудится не покладая рук уже совсем в другой сфере — плетет корзиночки на продажу. Тенор Лидин-Байдаров (Евгений Киндинов) с шармом поет куплеты и признается в незавидном опереточном прошлом.
Монологи, похожие на эффектные номера, бойкие репризы диалогов раскрывают неординарные судьбы. Самая яркая и громкая — у бывшего трагика Меркурия Ивановича Славянова-Райского (Станислав Любшин). Героя Станислава Любшина переполняет огромное чувство внутреннего достоинства. Меркурий Иванович и теперь ощущает себя кумиром толпы. В воспоминаниях ему одинаково дороги и его бескорыстная помощь людям, и поезд, остановленный поклонниками, и бедная герань, подаренная мальчишкой. Но ни бешеные гонорары, ни жизнь с размахом, ни тщеславная гордость законодателя мод не затмили его мечты о простом человеческом счастье. А самое главное в его жизни — вера, внушенная публике, о том, что лучшее впереди.
Служение искусству продолжается. Старики в бесформенных больничных халатах к финалу преображаются в подтянутых и стройных премьеров, облаченных в парадные фраки. Театр для них — не профессия, а образ жизни.

РЕЖИССЕР: К. ВЫТОПТОВ.
ХУДОЖНИК: Н. АБДРАШИТОВА.

27 мая в рамках всероссийской акции «Библионочь» на улица Арбат (напротив дома № 23) в 16 часов состоится торжественное открытие выставки, приуроченной к 200-летию писателя. Это новый выставочный проект, подготовленный к юбилею великого русского драматурга Александра Николаевича Островского Государственным академическим Малым театром совместно с Департаментом культуры города Москвы и Московской дирекцией массовых мероприятий.
В экспозиции будет представлена история постановок пьес А.Н. Островского на сцене Малого в афишах, программках, эскизах и фотографиях великих артистов, исполнявших роли в спектаклях. Стенды будут посвящены отдельным постановкам, среди которых есть те, что и сегодня в репертуаре театра: «Бедность не порок», «Правда – хорошо, а счастье лучше», «Женитьба Бальзаминова», «Бешеные деньги» и пр. Будут и другие, чья сценическая жизнь оказалась менее насыщенной, и на сцене Малого эти спектакли не появлялись уже давно, к примеру: «Василиса Мелентьева», «Без вины виноватые».
На фотографиях из фондов театра – артисты Малого, имена которых вошли в историю русской культуры: Игорь Ильинский, Борис Бабочкин, Михаил Жаров, Вера Пашенная, Елена Гоголева, Елена Шатрова, Александра Яблочкина, Элина Быстрицкая и др. Наряду с ними – актеры современного Малого, продолжающие традиции своих предшественников и создающие образы Островского в наши дни: это народные артисты России Василий Бочкарев, Людмила Полякова, Ирина Муравьева, Александр Коршунов, Евгения Глушенко, Людмила Титова, Светлана Аманова и др.
Фотоматериал сопровождается цитатами из пьес драматурга, иллюстрирующими уникальность его языка.
В церемонии открытия примут участие: руководитель Департамента культуры Москвы Александр Кибовский, заместитель художественного руководителя Малого театра Александра Соломина, руководитель музейно-информационного центра Малого театра Татьяна Крупенникова, народная артистка России Светлана Аманова, актеры Малого театра Любовь Ещенко и Владимир Тяптушкин.
Увидеть выставку на Арбате можно будет до 15 июня 2023 года.

23 мая в 12.00 на Востряковском (Южном) иудейском кладбище состоится открытие памятника Михаилу Семёновичу Глузу. (19.09.1951 - 8.07.2021). Советский и российский композитор, дирижёр, певец, общественный деятель, народный артист России, заслуженный деятель искусств РФСР, главный дирижёр, а затем художественный руководитель Камерного Еврейского Музыкального театра (1977-1989), основатель и генеральный директор Международного культурного центра им. С. Михоэлса (1989-2021), председатель Общественного совета Международного фонда поддержки культуры «Единство» (2001-2021), первый президент Федерации еврейских общин России (1999-2005). Член Союза композиторов РФ и Союза театральных деятелей РФ.
Руководитель более 90 международных и российских культурных программ, фестивалей и проектов, осуществленных на крупнейших площадках страны и мира. Таких, как: Московский Международный фестиваль искусств им. С. Михоэлса; Международный фестиваль искусств «Шолом Алейхем GALA»; Всероссийский общественно-культурный марафон «Мы снова вместе!»; Всероссийский общественно-культурный марафон «Москва за нами!», Международный антитеррористический общественно-культурный марафон «Да будет мир!»; Международный Марафон Победы; Всероссийский общественно-культурный марафон «Берегите Россию!»; Международные проекты «Культура без границ» и «Мужество помнить!» и др. Автор музыки к спектаклям, фильмам, балетам, песням. Блестящий мелодист и яркий исполнитель Михаил Глуз внес значительный вклад в многонациональную культуру России, укрепление межнациональных связей и международного культурного сотрудничества. Кавалер Орденов «За заслуги перед Отечеством», «Почета», других государственных и общественных наград.
Памятник установлен на средства друзей, членов Комитета по увековечению памяти М.С. Глуза, Международного театрального фонда им. Е.П. Леонова, при содействии Федерации Еврейских Общин России.

18 мая актеры Московского театра «Et Cetera» во главе с художественным руководителем Александром Калягиным посадят вишневую аллею «Et Cetera» в Парке имени Ю.М. Лужкова.
В свой 30-й юбилейный сезон театр «Et Cetera» активно принимает участие во многих культурных мероприятиях. Одну из своих юбилейных акций мы хотели бы посвятить теме озеленения и благоустройства города Москвы.
В рамках этой инициативы актеры и сотрудники театра примут участие в посадке 30 деревьев и создании вишневой аллеи Театра «Et Cetera» в одном из молодых парков культуры города Москвы – Парке имени Юрия Лужкова.
Данная акция проводится при поддержке «Объединенной дирекции по развитию парков культуры и отдыха города Москвы», Государственного музея-заповедника «Кузьминки-Люблино» и Садового центра «ЦентроСад».

13 мая на Новой сцене МХТ имени А.П. Чехова состоялась неформальная церемония награждения участников конкурса короткометражного кино «Прилёт Чайки». Этот проект – часть программы празднования 125-летнего юбилея Московского Художественного театра, который отмечается в 2023 году.
Ведущими вечера стали очаровательные 5-летние Арина и Алиса, представившие 10 роликов-финалистов (в конкурсе приняло участие 48 фильмов). Хронометраж каждого из них – 125 секунд.
Конкурс «Прилёт Чайки» направлен на освещение деятельности молодых кинематографистов и оказание им поддержки, а также на исследование взаимодействия театра и кинематографа. В конкурсе приняли участие студенты и выпускники ВГИКа и московских киношкол – Школы кино и телевидения «Индустрия», Московской школы кино, Московской школы нового кино.
Участникам было предложено снять работу на тему «прилёта чайки» – символа Художественного театра, украшающего его занавес, его эмблемы. «Когда-то кинематограф начинался с прибытия поезда, Художественный театр с прилета чайки. Что это за чайка? Откуда она летела и куда следовала?» – так сформулировал тему Константин Хабенский.
Членами жюри стали художественный руководитель МХТ имени А.П. Чехова Константин Хабенский, актёры МХТ имени А.П. Чехова Станислав Любшин, Михаил Пореченков, Игорь Верник, Дарья Мороз, Ирина Пегова, Станислав Дужников, Виктор Хориняк. Почётный член жюри – режиссёр, сценарист, продюсер Карен Шахназаров.
Гран-при конкурса завоевал фильм «Чайка вернулась» режиссёра Ирины Прохоровой (Школа кино и телевидения Фёдора Бондарчука «Индустрия»).
Приз победителю – съёмка короткометражного фильма по сценарию Вл.И. Немировича-Данченко «Зверёк» при поддержке партнера конкурса цифрового видеосервиса Wink и художественного руководства МХТ имени А.П. Чехова.

Театр «Ромэн»

Кабаре «Зеленая лампа»

Иммерсивный музыкальный спектакль 

Граф Ладислас Рогозинский жил в начале прошлого столетия между Петербургом и Киевом, Ниццей и Парижем. Его воспоминания положены в основу пьесы «Кабаре «Зеленая лампа». Судьба Рогозинского связана с событиями ХХ века: декаданс, расцвет новых поэтических направлений – от акмеизма до футуризма, Русско-японская и Первая мировая войны, Октябрьская революция. Подробный рассказ о ней потребовал бы возможностей Голливуда. Автор концепции и режиссер Натали Конио Товен превратила воспоминания Рогозинского в иммерсивный спектакль «Кабаре «Зеленая лампа» в цыганском театре «Ромэн», создав его уникальное пространство в сотворчестве с молодой художницей Анастасией Романцовой. С этой постановкой «Ромэн» был приглашен в июле 2021 года во Францию на фестиваль «Русские сезоны в Авиньоне», но из-за ограничений, вызванных коронавирусом, поездку отменили.

Когда Ладислас Рогозинский (Артур Богданов), стоя на мраморной лестнице, начинает свой рассказ, внезапно осознаешь, сколько тайн скрывает пространство театра «Ромэн» и как красивы его интерьеры. Пройдя вслед за графом зрительный зал, попадаешь в белое фойе с изящными люстрами, где сидят актеры, участники спектакля: хозяйка кабаре Наташа (Татьяна Репина), его музыкальный руководитель Леонид (Николай Лекарев), Нина, тайный член партии большевиков (Мадина Дубаева) и остальные. Они, словно герои старинных портретов, оживают от прикосновений графа, вызвавшего их из небытия. Держа у лица тоненькую портретную рамочку, каждый произносит ключевую фразу своего персонажа.    

И тут начинается самое интересное. При входе в театр зрителям выдали карточки-прог­раммки разного цвета – красные и белые. Обладатели красных карточек отправляются в путешествие по коридорам и пространствам «Ромэна». Оно похоже на захватывающую одиссею, когда даже знакомые предметы кажутся какими-то фантастическими. 

Таинственно мерцают маленькие фонарики в руках проводников, которые приводят зрителей в подземелье со сводами, где возникают проекции картин художников-авангардистов (видео Ромэн Картье), а юные футуристы (Стэфэн Киященко, Сергей Богданов, Мадина Дубаева), которых вдохновляют мечты о переустройстве мира, показывают свои перформансы. В другой комнате у пианино читают стихи Хлебникова и Крученых, звучащие так естественно, будто актеры сочинили их только что. Проводники ведут дальше, и оказывается, что у Наташи не одно, а два кабаре. Белый зал, где выступают цыганские артисты и бывшая оперная певица Надежда (страстная Валерия Янышева), – там оказались зрители с белыми карточками. И его «подпольный двойник» – зал, украшенный фрагментами авангардистских картин. Здесь слушать цыган собираются бедные поэты, художники и революционеры, и возникает гремучая смесь цыганского искусства и русского авангарда. В «красном» кабаре читают стихи Блока и Бурлюка, спорят приверженцы классики и новых форм. Здесь бродит «призрак коммунизма»: на столик могут подбросить революционную листовку, и шныряют шпионы охранки. Ткань действия сплетена так хитро, что только потом понимаешь, как тонко соединены в ней разные темы и сюжетные ходы. Актеры поражают подлинностью существования. А искренность и страсть, с которой актрисы читают стихи Ахматовой, заслуживают отдельной статьи. 

«Я очень хотела, чтобы зрители узнали, каким может быть цыганский театр: это ведь не обязательно концертные костюмированные программы! Цыганские театрализованные концерты замечательны, но это традиционный вариант, а в «Ромэне» мы сделали современный спектакль. Думаю, французской публике очень понравились бы авангардные фрагменты «Зеленой лампы»: стихи Хлебникова и Маяковского, хореография в духе биомеханики и, конечно, видеоряд и современная музыка Ромэна Картье», – говорит режиссер Натали Конио Товен.

«Мы очень легко и быстро нашли общий язык с Натали. Возможно, потому, что и ей, и мне очень нравится стилистика 1920–30-х годов. Нам хотелось сделать иммерсивный спектакль, где все находятся в поиске: и зритель, и техническая группа, и в какой-то степени актеры. Опыт создания иммерсивного спектакля был для всех нас опытом импровизации: тебе что-то предлагают, ты соглашаешься и добавляешь что-то свое. Остальные поступают так же. В этой работе важно, что мы с Натали друг друга подхватывали, что-то еще предлагали, и это работало на общую идею», – говорит Анастасия Романцова. Она считает, что театр «Ромэн» подходит для таких экспериментов. «Здесь много интересных пространств. Например, мы приводим зрителей в старый буфет теат­ра, который никак не использовался и был закрыт. Я случайно попала туда за пару лет до постановки. Хотелось бы привести зрителей в другие закоулки и пространства театра, но этого нельзя сделать, не нарушив правила пожарной безопасности», – добавляет она.

В уютном белом зале, где посетители кабаре, сидя за столиками, слушают цыганские песни и романсы, все благополучно только на первый взгляд. Одна из цыганок вдруг начинает пророчествовать: «Я вижу большие перемены!» Рогозинский, лихо отбивавший чечетку, неожиданно падает. Цыганские песни перебивает «Черный ворон», напоминает о Русско-японской войне ворвавшийся вальс «На сопках Маньчжурии». Под звуки полонеза Огинского вспоминаешь его второе название – «Прощание с Родиной». Совсем скоро привычный уклад жизни будет разрушен и многие посетители кабаре окажутся в эмиграции. 

К финалу спектакля красная и белая группы снова встречаются в зале театра «Ромэн». И тут «красные» понимают, что их кабаре находилось на сцене, и теперь они видят его с другой стороны. «Нам было важно разделение зрителей на две группы и разный опыт, который они получили во время спектакля. Мне было интересно создать два разных пространства и хотелось, чтобы люди, раньше сидевшие на сцене, только придя в зрительный зал, смогли полностью увидеть пространство, где они находились. Сначала они видели какие-то прямоугольники, линии, вертикали, и у них возникало ощущение, что это часть какой-то большой картины. А в зрительном зале у них появилась возможность увидеть картину, частью которой они были», – говорит Анастасия Романцова.

Это композиции нового времени – разноцветные геометрические фигуры в стиле картин Кандинского. И снова звучат стихи Маяковского, наполненные силой и цыганской страстью. Пересказывать сюжеты спектакля «Кабаре «Зеленая лампа», возникающие из-за переплетения времен и человеческих судеб, занятие бессмысленное и бесполезное. Этот спектакль надо смотреть.

Русский духовный театр «Глас» 

Т. Белевич

«Имя России — Александр Невский»

Продолжая свой уникальный цикл «Жизнь замечательных людей», театр поставил житие Александра Невского, посвященное 800-летию со дня его рождения. Эта великая личность сыграла исключительную роль в русской истории в тот драматический период, когда Русь подвергалась ударам со всех сторон.

За всю свою жизнь не проигравший ни одной битвы, Александр Нев­ский был талантливым полководцем и дипломатом, заключив мир с сильным врагом, Золотой Ордой, и отразив нападение с запада, защищая православие от католической экспансии. В нем видели родоначальника московских государей и великого покровителя православной церкви. А в 1543 году он был причислен к лику святых.

На сцене разворачивается старинное сказание, соединившее церковнославянские тексты и жанр движущихся фресок. Картины жития сменяют друг друга, рисуя всю биографию этого великого воина. Жизнь его описывает Летописец (Александр Хохлов), молодой и горячий, бурно переживающий каждый поворот событий.

Переславль-Залесский, 1221 год, рождение Александра от князя Ярослава (Михаил Панюков) и княгини Феодосии (Екатерина Лисовая). Уже с детства он читал священные книги, владел мечом и ездил на коне. И вот он, уже во весь рост, перед нами — статный русоволосый красавец недюжинной силы (Дмитрий Алешкин). Венчание с дочерью полоцкого князя, нежной Александрой (Мария Королева), четверо их сыновей и дочка…  Свой первый поход против литовцев предпринял еще с отцом, потом сражается за Смоленск и вновь побеждает. Вот его дружина — отменные русские воины, привыкшие побеждать. 1240 год — знаменитая Невская битва, где были разбиты шведы и после которой юный князь стал зваться Невским. Потом был отвоеван у немцев Псков, а в 1242 году — легендарное Ледовое побоище на Чудском озере. Эти картины возникают перед нами в необычайной красоте старинных костюмов, оружия и сражений. Затем Александр со своими воинами освобождает от литовцев Торжок, Бежецк, Торопец, Усвят… А вот дипломатические переговоры с ханом Батыем, благодаря которым Русь была избавлена от службы в татарских войсках. И, возвращаясь с этих переговоров, Александр занемог, вернувшись домой уже больным. И, приняв схиму под именем Алексия, в ноябре 1263 года умер… Все эти фрески, то двигаясь, то застывая, то уступая место чтецам, проходят перед нами торжественно и величаво, открывая одну из страниц нашей истории. 

Автор инсценировки и режиссер-постановщик: Т. Белевич.

Сценография и костюмы: М. Филатова.

Театр Романа Виктюка

«Во всем виноват театр» 

Сценическая фантазия Р. Виктюка

Театр Романа Виктюка чтит память своего основателя, посвящая ему свою новую премьеру «Во всем виноват театр». Спектакль-фантазия основан на архивных записях и воссоздан учениками Романа Григорьевича — актерами и режиссерами.

Сюжет постановки разворачивается вокруг Марго — примы парижского театра, к которой приходит нежданная гостья — молодая актриса Аннет. Девушка, рассыпаясь в комплиментах легендарной актрисе, внезапно признается: она любовница Франсуа, мужа Марго. Преданная своему супругу примадонна потрясена ошеломившим ее известием. Она и не подозревала, что ее Франсуа — хороший актер не только на сцене, но и в жизни. Не желая расставаться с мужем, но и не в силах лгать ему, Марго пытается найти решение, которое устроило бы их троих, но чем дальше, тем больше теряет почву под ногами, не зная, как поступить.

Театр как искусство, тема творцов, великих актеров всегда стояла особняком в творчестве режиссера. Роман Виктюк обладал мастерством вскрывать глубочайшие философские вопросы в самых простых, казалось бы, историях. Постановщик спектакля Александр Карпушин придерживается той же линии в режиссуре. За «сериальными» поворотами сюжета скрывается драма главной героини, не желающей лгать самой себе. Практически пустое сценическое пространство концентрирует внимание зрителей на сюжете и эмоциях героев. История разыгрывается на трансформирующемся помосте, на заднем плане — занавес, словно завеса, отделяющая мир театра от реальной жизни.

Марго играет Людмила Погорелова, работавшая с Романом Виктюком с начала 90-х годов, а Франсуа — давний партнер актрисы по театру Олег Исаев. Людмила Погорелова наделяет Марго характерной резкой пластикой, выстраивая свою роль так, что не сразу и понимаешь, реальны ли страдания ее героини, или это все притворство, игра гениальной актрисы, чтобы вернуть своего мужа. И только в финале становится очевидным выбор главных героев — и самого Романа Григорьевича: великим актером может быть только тот, кто искренен по отношению к себе и другим. 

Режиссер: А. Карпушин.

Художник-сценограф: В. Боер.

Российский Молодежный театр 

М. Степнова

«Женщины Лазаря»

Обратившись к бестселлеру начала 2010-х, роману Марины Степновой «Женщины Лазаря», режиссер Алексей Золотовицкий «дотягивает» вековую семейную сагу до наших дней.

На Большой сцене РАМТа художник София Егорова выстраивает камерный павильон: зрители сидят здесь же, вплотную к трем актрисам — «женщинам Лазаря».

Физик-ядерщик, мизантроп и нелепый гений Лазарь Линдт — связующее звено истории о любви и «большой нелюбви», согласно книжной аннотации. Но авторов спектакля горькая любовь и злая нелюбовь занимают меньше, чем взаимопроникновение времен и переплетение судеб людей, вины и ответственности.

Пространство-трансформер — зеркала танцкласса, гладкие стенки выворачивают интерьерное нутро, шкафы, обстановку разных времен и мест действия. В центре — электронные часы с зеленоватыми цифрами, как в госучреждениях и школах, показывают год событий. В романе повествование почти линейно, в спектакле три линии женских судеб и история Лазаря постоянно перебивают друг друга, отражаясь, как в сценографических зеркалах. Актерски это не монологи, а вечный диалог и спор сосуществующих, вместе разыгрывающих и рассказывающих истории друг друга героинь. И самого Лазаря, который «выпадет из шкафа», как общий для всех «скелет», — молодая актриса Антонина Писарева в бесформенном костюме играет это странное существо гораздо сложнее, чем просто характерного персонажа.

Она же в спектакле — внучка Линдта, наша молодая современница, чья история в романе становится рамкой повествования. Но в спектакле эта рамка лишена книжной благостности: Лидочка — концентрат одиночества, ни родительской, ни мужской любви из текста ей не оставили. Она не ищет спокойного счастья вместо трудностей таланта, а учится говорить «нет» и принимать решения, чтобы стать личностью. Неслучайно столько раз звучат тут слова о вине перед теми, кого никогда не видел, о равнодушии к другим и предательстве самого себя. Режущую вены Лиду в книге вытаскивают с того света любовью. Лида из спектакля уходит в дымный кулисный проем под часы с цифрами 20.23. Не в хеппи-энд, а в открытый финал. 

Режиссер: А. Золотовицкий.

Художник: С. Егорова.

Театр «Сатирикон» 

Б. Шоу

«Лондон Шоу»

Английский драматург Бернард Шоу определил жанр своей пьесы «Пигмалион» как «romance», что в переводе с английского означает не только романс, но и роман-фантазия или романтическая новелла, в общем очень далекий от эстетики театра «Сатирикон» жанр.  Константин Райкин, поставил «Пигмалиона» в версии своего театра и назвал спектакль «Лондон Шоу». Впрочем, если написать в нем второе слово с маленькой буквы, тоже выйдет верно. У худрука театра «Сатирикон» получилось динамичное, запоминающееся и порой смешное до слез зрелище, одним словом, шоу. Оно пришлось по душе зрителям: 3 апреля «Лондон Шоу» сыграли в 200-й раз.   

История о лондонском профессоре-филологе Хиггинсе, заключившем пари с коллегой, что вульгарно разговаривающую цветочницу Элизу Дулитл благодаря его занятиям вскоре не отличат от герцогини, известна. Важно, как ее рассказать. И Райкин придумал необычный прием: в театре появилось кино. Нет, речь вовсе не о видеосъемке и живой трансляции, которую сейчас не использует в спектаклях только ленивый! Эффект черно-белого немого кино на сцене создается чисто театральными средствами. «Лондон Шоу» начинается таким «кинофрагментом». Завязка «Пигмалиона» – театральный разъезд после спектакля под внезапно начавшимся ливнем, где актеры обычно с трудом продираются сквозь поток медленно плетущейся драматургом словесной вязи. Ее медленный ритм не интересен ни Райкину, ни зрителям. И режиссер заменяет ее на «немую фильму»: сцену освещают приглушенные, мерцающие прожекторы, имитируя бег старой кинопленки, актеры движутся в ускоренном темпе под музыку из фильмов Чарли Чаплина. Их пластика настолько точно выстроена и выразительна, что сразу узнаешь главных героев.  Глядя на них, вспоминаешь кино начала XX столетия и мемуары его звезд, умевших вызывать у зрителя слезы или смех только эффектным жестом или поворотом головы. «Театральное кино» знакомит и с эпизодами, которые драматург пропустил: изнурительные для Элизы уроки, ее успех на светском приеме, сон героини и свадьбу ее папаши в финале, где за упитанными женихом и невестой несут ватагу младенцев. 

События разворачиваются в начале прошлого столетия, но Райкин, по обыкновению, точно чувствует пульс времени. Идеи поменять свою социальную маску и подняться вверх по общественной лестнице появились, кажется, одновременно с представлениями об этих лестнице и маске. Особенно если человек живет в большом городе. Она была актуальна во времена Шоу, осталась актуальной и сейчас. И хотя в русском языке не так много акцентов, как в английском, у нас найдется немало успешных людей, воплотивших ее в жизнь и сочинивших себе новую биографию.

На сцене «английские» интерьеры (художник-сценограф Борис Валуев): библиотека с двухэтажными книжными шкафами до потолка и с потайными дверьми, элегантная гостиная обаятельной миссис Хиггинс (Лика Нифонтова). Но темперамент у главных героев не нордический английский, а скорее бурный итальянский. Они ведут диалоги в стремительном темпе, носятся по сцене и прыгают через стулья. Нет, режиссер вовсе не противоречит замыслу Шоу, он просто делает описанные драматургом характеристики и качества героев максимально выразительными. При этом умеет не просто удивить зрителей, а добиться, чтобы его мизансцены запомнились. Профессор Хиггинс у автора большой ребенок, поэтому Хиггинс (Артем Осипов) вместе с полковником Пикерингом (Сергей Громов) затевают веселую игру: стоя на «балкончиках» по разные стороны библиотеки, они произносят всевозможные гласные звуки, подхватывая и порой пародируя друг друга. Хиггинс запросто может положить ноги на стол, грубит словно подросток, употребляет жаргонные словечки и выглядит инородным телом в салоне своей матери. Элиза (Альбина Юсупова), грубая и неотесанная у Шоу, в начале напоминает скорее дикого зверька: во время урока она не хочет стоять прямо у балетного станка, а повисает на нем и кувыркается как обезьянка. Оба выхода мусорщика Дулитла (Григорий Сиятвинда) поставлены как отдельные бенефисные номера. Грязный оборванец уморительно чешет все тело, не только руками, но и почесывается обо все предметы в комнате и заражает чесоткой даже невозмутимую миссис Пирс (Марина Иванова), привыкшую к эксцентричным выходкам своего хозяина. Снова появившийся на сцене, папаша Дулитл разбогател, отмыт и приодет. Но суета в руках осталась. Теперь он все время достает что-то из карманов, причесывается, полирует ногти, надевает на голову сеточку, укладывается на диван вздремнуть, заведя огромный будильник. Актер притягивает внимание, заставляя следить за ним неотрывно, как за фокусником, достающим кролика из шляпы. 

Неизвестно, был ли доволен Пигмалион из мифа характером ожившей Галатеи. У Шоу Хиггинс – умный, свободный и резкий, такой, как есть, сделал из Элизы светскую барышню, но сам презирает и светское общество, и его мораль. Найдут ли они общий язык? В спектакле героев настигла любовь – сумасшедшая, всепоглощающая. Их объяснение после выигранного пари построено через стремительный бег. Но и Хиггинс, и Элиза сильные личности, оба стремятся к лидерству. И пока героиню сравнивают с оборванцем Чарли (на светском приеме Элиза наигрывает на электрогитаре одну из его мелодий), она считает иначе. Во сне Элиза видит себя хозяйкой цветочного магазина, куда заглянул Хиггинс-Чарли. Так между сюжетами фильма «Огни большого города и спектаклем «Лондон Шоу» возникает перекличка. Вопрос, смогут ли герои забыть о своих амбициях и жизненных установках, чтобы не потерять единственную в жизни любовь, остается открытым. В последней немой сцене Элиза при появлении Хиггинса застывает напряженно как струна, а он, подняв воротник плаща, резко уходит. Надежду на счастливый финал внушает только определение Константина Райкина в программке спектакля: «История городской Золушки, в которой наказаны высокомерие и эгоизм, а тот, кого приручали, сам приручил того, кто приручал». 

Театр им. Вл. Маяковского

 Г. Бюхнер

«Войцек»

Жанр этого спектакля определен режиссером как «обыкновенная трагедия». На черной стене декорации — надпись Sein Kreuz Tragen, что в переводе с немецкого означает «нести свой крест» (художники Анна Агафонова и Антон Трошин). Потом Войцек закрасит два слова, оставив только Кreuz — крест. На сцене нет места другим цветам — только оттенки черного. Холмистое, вспученное от человеческих невзгод, тревожное пространство ограничено кирпичной стеной и каре зрительских рядов — место жестокой истории в мире, где попраны чувства.

По ходу спектакля отвалятся куски стены и проявится светлый лик Богородицы как знак христианского сострадания. 

Обратившись к «Войцеку», незаконченной пьесе Георга Бюхнера, где волею обстоятельств полковой цирюльник стал убийцей, режиссер Филипп Гуревич ставит драму начала XIX века как сюжет на все времена. В спектакле постоянно звучит музыка — от тяжелого рока до узнаваемой классики — в кульминационные мгновения словно бы затихающая и снова просыпающаяся от бесконечного бега героя по черному кругу. В череде унижений у Войцека (Илья Никулин) нет права на сопротивление. Любое посягательство на частную жизнь, собственную физиологию, инстинкты и рефлексы он воспринимает с безропотным трепетом. Почти безликий, аскетичный в проявлении эмоций, Войцек Никулина преображается в сценах с Марией, своей женщиной и матерью его ребенка. У Марии (Валерия Куликова), белым потусторонним пятном выбивающейся из общей черноты, нет ни прошлого, ни настоящего. Ее крест — маленький ребенок, накрепко привязанный к руке. Он вдруг пропадает, когда она оказывается рядом с Тамбурмажором (Владимир Гуськов), безропотно принимая его ухаживания. Герой Гуськова робок и похотлив одновременно, в нем вдруг просыпается нежность, затаенная, как тихий снег, что падает на их головы. Эту странную пару связывает не любовь, а предощущение другой жизни, которой никогда не будет. В сценах с Войцеком Мария оживает и оказывается главным сюжетным нервом спектакля. Но она не может ни спасти, ни спастись. Как и не выдержавший измены и убивший ее Войцек. Режиссер не судит своего героя и никого не оправдывает. В финале Войцека разденут и вымажут черной в цвет стены краской: у каждого свой финал и свой Kreuz.

Постановка: Ф. Гуревич.

Художники: А. Агафонова, А. Трошин.

Театр им. Евг. Вахтангова 

С. Плотов

«Амадей»

Спектакль «Амадей» в Театре им. Евг. Вахтангова — новое прочтение хорошо знакомого сюжета (сценическая версия Сергея Плотова). Действие спектакля происходит в запущенном кабинете Сальери с пыльными фолиантами, узкой полоской света, проникающей через высокую дверь, и скульптурой (надгробным памятником) покойной жены композитора (художник Максим Обрезков). Сюда, на свидание со старшим современником Моцарта, словно призраки, приходят персонажи спектакля, оживляя воспоминания о прошлом.

Центральный герой постановки — полубезумный старик Сальери — доверяет зрителям главную трагедию своей жизни. Его блистательно играет Алексей Гуськов, создавая сложный образ завистника, который время от времени вызывает наше невольное сочувствие. Рано осознав свой дар, в юности его Сальери принял решение отречься от мирских соблазнов и посвятить свою жизнь музыке. Холодная, как статуя, жена и отсутствие любви помогали сконцентрироваться на главном — сочинительстве («ученики Глюка все испражняются мрамором» — зло пошутит Моцарт).

Но все изменилось в один миг, когда в размеренную, благополучную жизнь Сальери врывается опасный конкурент — молодой и амбициозный Моцарт.

Виктор Добронравов создает непривычный образ великого композитора. Его Моцарт — очень сложный, полный страстей и слабостей человек. Он попирает привычные нормы, недипломатичен, с легкостью заводит врагов, разнуздан в отношениях с женщинами и неравнодушен к вину. Моцарт нарушает правила как в жизни, так и в искусстве, и это выводит Сальери из себя. И вдруг оказывается, что все эти годы самоотречения и труда были напрасными, что Господь, к которому обращался, как к патрону, Сальери, не слышал его. «Я помешаю тебе являть себя миру через это существо!» — бросает вызов небесам Сальери и начинает охоту на Моцарта.

И Вольфганг Амадей, угодив поочередно во все расставленные ловушки, гибнет. Правда, до этого нокаутирует своих врагов «Волшебной флейтой» и заставит танцевать под «Женитьбу Фигаро» весь двор, включая капризного императора Иосифа II (Федор Воронцов). Сальери же, одержав пиррову победу, получит от небес самое страшное наказание — прижизненное забвение и потерю разума.

Постановка: А. Шульев.

Сценография: М. Обрезков.

Костюмы: М. Данилова.

МХТ им. А.П. Чехова 

А.П. Чехов

«Дядя Ваня»

Спектакль «Дядя Ваня», поставленный к 125-летию Художественного театра, — печальная история о людях, которые узнали, что жизнь их прожита зря. О людях, так и не сумевших обрести в ней смысл, не нашедших сил на обретение счастья.

Вас встретит великолепный русский лес на занавесе, напоминающий мироздание и космос (сценография Николая Симонова). А за ним — мгла, тягостный ритм событий, скучный безрадостный дом Серебрякова. Где-то вдали встает и заходит солнце, отмеряя часы, дни, годы. Но люди живут в душевной тоске, работают, не зная радости, не чувствуя жизненных сил, словно затерянные в огромном лесу жизни.

Вот они, наши герои. И среди них одна лишь Войницкая (Дарья Юрская), энергичная и молодая, кажется, знает, как жить и что делать. Она руководит танцклассом из собственных слуг, пишет картины на мольберте и пафосно декламирует цитаты из брошюр профессора Серебрякова.

Ее сын Иван Войницкий (Сергей Епишев), высокий, красивый, но давно погасший, жизнь свою проживает на каком-то автоматизме, печально глядя на себя со стороны и предаваясь холодной заученной риторике. Всю жизнь работая на Серебрякова и считая его гением, он эту жизнь, в общем, проиграл, не обретя ни судьбы, ни любви, и давно смирился, хоть и бунтует в финале.

Неожиданный профессор Серебряков (Авангард Леонтьев) — маленький, капризный и комичный, но чувствующий себя великим и имеющий необъяснимую власть над всеми, и вдруг трогательно, как ребенок, расцветающий от поцелуя жены.

В унылый дом Серебрякова Астров (Павел Чинарев) влетает как комета — насмешливый, порочный, горячий. Авантюрист и мастер эпатировать, он ведет себя дерзко и обладает опасным шармом. Тут женщинам не устоять. Под его чарами — и тихая Соня (Дарья Трухина), и прелестная Елена Андреевна (Светлана Колпакова). Он же, срывая голос, надрывно кричит нам всем об исчезающих русских лесах и вырождении родной природы. А спьяну куролесит и бушует, высвобождая свою душевную энергию и обнажая острую потребность жизни. Ту потребность и ту удаль, которых так не хватает обитателям дома Серебрякова.

Режиссер: Д. Азаров.

Художник: Н. Симонов.

Художник по костюмам: М. Данилова.

Московский театр оперетты

А. Укупник

«Князь Серебряный»

Известный поп-певец, композитор и продюсер Аркадий Укупник в дебютном мюзикле «Ромео vs Джульетта ХХ лет спустя» сочинил продолжение истории шекспировских героев. Событиями его нового мюзикла «Князь Серебряный», по замыслу автора либретто Карена Кавалеряна, как и в «Макбете», управляют ведьмы. Только их не три, а две: придворная ворожея Мануйлиха (Елена Сошникова), которая гадает царю, виртуозно управляя его настроениями, и Колдунья (Юлия Гончарова) из глухого леса. Она властвует над лесной нечистью и помогает главному герою.

События мюзикла разворачиваются на Руси в царствование Ивана Грозного, почти в шекспировские времена. Как известно, английский драматург творил при королеве Елизавете I, к которой Грозный сватался. Музыка Укупника в «Князе Серебряном» гораздо интереснее, чем в дебютной работе, партитуру украсили фольклорные мотивы, зажигательные русские песни и пляски. Режиссер-постановщик и балетмейстер Валерий Архипов превратил мюзикл в масштабный исторический блокбастер, полный точных деталей. Царя Ивана Грозного (Владислав Кирюхин) узнаешь сразу: создатели спектакля добились портретного сходства. Завораживающие визуальные образы художника Вячеслава Окунева полны метафорического смысла. На сцене то огромная металлическая решетка — ворота в государство Российское и царские врата храма с иконами, то бескрайний дремучий лес (декорации дополняются видеопроекциями).

Сюжет мюзикла напоминает историческую хронику, но, в отличие от романа А.К. Толстого, положенного в основу либретто, на первый план выходит любовная линия. Юная Елена (дебютантка Арина Чернышова с нежно и серебристо звучащим голосом), не дождавшись жениха Никиту Серебряного, воевавшего в Литве, вынуждена выйти замуж за старого боярина Морозова (Максим Новиков), чтобы спастись от домогательств опричника князя Вяземского (Максим Катырев). Но мужественный князь Серебряный (Павел Иванов) борется с судьбой за счастье и возможность жениться на любимой и добьется своего. Князю будет непросто, не зря поет хор: «Легкой доли не проси, коль родился на Руси». Но на его стороне слуга Михеич (Дмитрий Лебедев), лихая шайка разбойников во главе с атаманом Ванькой Перстнем (Глеб Косихин), подавшихся в леса из-за опричнины, и простой народ.

Либретто и стихи: К. Кавалерян.

Режиссер-постановщик и балетмейстер:

В. Архипов.

Художник: В. Окунев.

В МХТ имени А.П. Чехова идут репетиции спектакля Виктора Крамера «Авлабар, или Новая Ханума» по мотивам знаменитого старинного водевиля Авксентия Цагарели «Ханума». Премьера на Основной сцене – 11, 12 мая.
Специально для мхатовской постановки был сделан новый перевод этой пьесы и написаны новые песни. Многие из них по своей яркости и мелодичности претендуют на то, чтобы стать настоящими хитами. Это история о соперничестве двух свах – Ханумы (Ирина Пегова) и Кабато (Янина Колесниченко), каждая из которых предлагает свою невесту старому князю Васо Пантыашвили (Артур Ваха). История смешная, эмоциональная и в чем-то бесхитростная, как эмоциональны грузинские тосты, как бесхитростна живопись Пиросмани.
Артисты занимаются вокалом с музыкальным руководителем постановки, педагогом Аллой Тарасовой. Важно не только исполнять свои номера, но и освоить грузинское многоголосие – без этого в комедии про гостеприимный Тифлис не обойтись. Как и без зажигательных танцев – их ставит Ирина Кашуба, автор хореографии многих популярных мюзиклов.
Сценографом «Авлабара» выступает сам Виктор Крамер, мастер создавать на сцене эффектные и волшебные миры.
В ролях: Ирина Пегова, Янина Колесниченко, Артур Ваха, Арсентий Журид, Даниил Феофанов, Сергей Беляев, Станислав Дужников, Армэн Арушанян, Елизавета Ермакова, Софья Шидловская, Александр Усов, Артем Волобуев, Мария Сокова и другие.
Премьера спектакля «Авлабар, или Новая Ханума» состоится 11, 12, 29, 30 мая. Билеты по ссылке: https://mxat.ru/performance/soon/hanuma/

• музыкальные театры
• драм. театры
• детские театры
• концертные залы